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Pintura al óleo: Philip R. Jackson: bodegones extraordinarios

Pintura al óleo: Philip R. Jackson: bodegones extraordinarios


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Los bodegones poco convencionales del artista de Mississippi, Philip R. Jackson, piden a los espectadores que vean la belleza de los objetos cotidianos.

por James A. Metcalfe

La galleta Mighty Goldfish
2004, aceite, 8 x 10.
Colección privada.

Al arrojar artículos ordinarios —un racimo de uvas, un huevo roto con su cáscara irregular, una tetera rústica— en un poco de caos teatral y bañarlos en una luz tentadora, Philip R. Jackson invita a los espectadores a reconsiderar la belleza que a menudo pasamos por alto en nuestra vida cotidiana. Este residente de Mississippi cree que el mundo de la publicidad y la cultura pop impregna nuestra sociedad de una manera que finalmente adormece nuestros sentidos y nos impide apreciar las cosas más simples. También siente firmemente que su papel como artista es presentar "un tiempo alejado de ese mundo en el que podamos detener nuestras complicaciones individuales el tiempo suficiente para experimentar una sensación de soledad, relajación y disfrute", explica. El elemento del teatro en el trabajo de Jackson lo ayuda a lograr esta visión y es lo que él llama "un vehículo para hablar dramáticamente sobre estos valores pasados ​​por alto de momentos simples, divertidos, absurdos, incómodos y tranquilos que todos experimentamos".

Pero, ¿qué cualidades debe poseer un sujeto para llamar la atención de Jackson? "Algo nuevo, algo viejo, algo inventivo", dice el artista. Cuando se acerca a una pieza, generalmente lo hace con un concepto definido en mente. Jackson insiste en que su primer requisito para una naturaleza muerta es estética, “un equilibrio formal de composición, color y espacio. En segundo lugar, el concepto debe hablarme. Ya sea tranquilo, invasivo o humorístico, busco algo que, al final, provoque una fuerte reacción del espectador ". Después de considerar el enfoque de la pieza, Jackson elige objetos de su colección personal de artículos hechos por el hombre por sus características distintivas, como el tamaño, la forma, la textura y el color. El artista selecciona objetos que ofrecen fuertes contrastes entre lo hecho por el hombre y lo natural ya que, dice, “deben capturar el entorno en el que vivimos. Por ejemplo, estoy fascinado cuando miro por encima de la mesa y veo una disposición natural de frutas y tazas de té o miro por la ventana del auto y veo árboles y postes telefónicos yuxtapuestos. En general, nuestra interacción diaria con tales cosas crea una existencia extraña, pero normal, debido al papel común que desempeñan ”.

Serie Tensión: Se acabó la fiesta
2004, aceite, 12 x 12.
Colección privada.

En sus primeros trabajos, el interés de Jackson era puramente perceptivo: cómo la luz define la forma. Pero, cuando comenzó a experimentar con varias formas de organizar sus objetos, dice: "Comencé a ver una conexión rara en la que los objetos parecían generar tensión y comunicarse". Tituló apropiadamente esta serie, la Serie Tensión. "Comencé a explorar la tensión visual, el contraste de un objeto con otro, su lenguaje corporal y el peso o las cualidades de ingravidez que poseían", explica el artista. Su pintura La galleta Mighty Goldfish fue el primero de esta serie y en realidad sucedió por accidente. “Puse un jarrón de Delftware en mi caja de luz junto con algunos otros objetos y me tomé un descanso para comer algo: galletas de Goldfish. Accidentalmente dejé caer una de las galletas en la caja y salí de la habitación durante unos minutos solo para regresar y encontrar esta joya increíble. Ese momento hizo clic, y fue entonces cuando realmente comencé a jugar con la idea del equilibrio, dándole al cracker Goldfish una mayor fuerza al superar el florero ”.

Aunque Jackson cree firmemente en el proceso natural de observación, también sabe que, sobre todo, está creando una ilusión, y por el bien de la experiencia visual, hay momentos en los que hay que tomar decisiones para sacrificar la realidad. "En mi pintura Uvas de equilibrio,"El artista explica:" Intenté crear una conversación íntima entre objetos que, por asociación, son polos opuestos pero, por gesto, tienen una conexión entre ellos. La tetera es más un objeto masculino: de bordes duros, geométricos y hechos por el hombre; Las uvas son más femeninas: delicadas, llenas de vida y naturales. Como creo que los opuestos se atraen, la conexión es el punto donde ambos objetos se encuentran, casi como si la tetera estuviera abrazando la mano de una mujer encantadora. Se forma una unión y la imagen queda tan inmóvil como un recuerdo ".

El extractor de jugo de la
Ley de equilibrio del tomatillo

2006, aceite, 7¼ x 8¾.
Colección del artista.

Jackson cree que la mayor ilusión en la pintura es crear una sensación de espacio. “En mi trabajo”, enfatiza, “quiero crear una sensación que convenza al espectador del aire entre los objetos y el espacio infinito en el que se colocan los objetos. Estoy sugiriendo que no es el tiempo o el lugar lo que es significativo, sino el espacio entre el espectador y la pintura, un intento de conectar al espectador con un espacio imaginable ". Señala que desarrollar la sensación de atmósfera en su trabajo requiere una gran cantidad de capas. "Después de desarrollar un estudio monocromático completo, comienzo a mezclar muchas capas de tonos complementarios y capas giratorias de cambios cálidos y fríos para describir los objetos y el fondo", explica. “Continúo esto durante todo el proceso, asegurándome de que tanto el objeto como la atmósfera tengan la consistencia correcta de la aplicación de pintura y el contraste de color para crear la mejor representación posible.

"Al pintar la primera capa de fondo, generalmente comienzo con un tono que contrastará con el color dominante de un objeto", continúa el artista. por Uvas de equilibrio, en particular, Jackson eligió el primer tono para ser un rojo violeta muy intenso. "Utilicé capas muy finas de pintura con pinceladas muy sueltas", dice. “En las siguientes capas, utilicé múltiples tonos neutros complementarios de rojo y verde, intercambiándolos entre cada capa. Esto es parte del proceso que crea los bolsillos de la atmósfera. Hasta este punto, había estado usando tonos bajos. Luego comencé a incorporar capas de tonos medios a tonos altos, que configuraron la sensación de luz para el fondo. Utilicé muy poca pintura y sobre todo pincel seco para esta técnica, lo que permitió ver la pintura inferior a través del velo de la luz.

Uvas de equilibrio (detalle)
2006, aceite, 12 x 12.
Cortesía de Edith Caldwell Gallery,
Sausalito, California.

"Estaba especialmente preocupado por la distinción del tacto entre ambos objetos en esta pintura", continúa el artista. “Las uvas eran un poco más complicadas debido a las muchas facetas de la luz reflejada que brillaba a través de ellas. Elegí un enfoque indirecto, tratando la pintura con una aplicación fluida para darle a las uvas una calidad translúcida y un toque de delicadeza. En la tetera opuesta apliqué la pintura más directamente, aplicando un pincel seco a las capas más como un tono modulado, comenzando con un tono de tecla central y construyendo constantemente el contraste de los reflejos y reflejos ”

En Impacto delicado, el artista incluyó objetos que normalmente se usan como ingredientes de trabajo para algo más "bello y sabroso". Durante el proceso, Jackson se mostró menos interesado en el producto final y mucho más intrigado por los ingredientes que quedaron después de su uso. “Quería crear una conexión lúdica entre los objetos alejándolos de sus propósitos restringidos. Aunque nos proporcionan proteínas y nos hacen cosquillas en nuestras papilas gustativas, ¿cuándo realmente hemos dado gracias por lo que tenemos? Supongo que este trabajo es una súplica para mirar más de cerca y observar la belleza en el lugar común. Quiero alentar un descanso de nuestro horario riguroso para reconsiderar el valor de la vida ".

Serie Tensión: una cultura retro,
Natural de la dicotomía de un rábano

2004, aceite, 9 x 6.
Colección privada.

El mayor desafío técnico de Jackson con la pintura Impacto delicado estaba dando tratamiento individual a cada una de las tres superficies. "Las cáscaras de huevo tenían un acabado muy mate y sutiles cambios de luz reflejada del plato y la mantequilla", afirma. "Los pinté con esmaltes muy delgados y secos, construyendo sutilmente la forma primero estableciendo la fuente de luz y luego agregando cualidades reflectantes al final". Para la mantequilla usó un cuerpo más grueso de la pintura para mejorar su forma sólida, y la terminó con esmaltes mojados en mojado para llamar la atención sobre la mancha de la superficie. "Fue un desafío hacer que el color azul del plato se sintiera realmente como un esmalte azul sobre algo cerámico", admite. "Traté de pintarlo como si estuviera poniendo el esmalte en el plato, y una vez que revelé el color que sangraba en la superficie de la porcelana, tuvo éxito".

Jackson cree que la segunda mayor ilusión en la pintura es convencer al espectador del peso físico de un objeto. "Con esto me refiero a tomar una decisión basada en las cualidades de una marca física (gruesa frente a delgada), la opacidad de la mezcla (opaca frente a translúcida) y el cambio tonal que sea más apropiado", dice. "Hay momentos en que la primera marca aplicada funciona, pero generalmente hay más que no funcionan incluso después de varios intentos. Aunque los muchos errores que se necesitan para llegar al toque correcto parecen interminables, se invita al espectador a ver el funcionamiento interno del proceso, la armonía entre cada golpe. También crea un vínculo entre el espectador y la pintura al revelar el toque humano. Siempre me recuerdo que estoy tratando de crear algo tridimensional en una superficie bidimensional. Este es, con mucho, el obstáculo más desafiante, y creo que la única forma de lograrlo realmente es a través de la observación.

Impacto delicado
2006, aceite, 9 x 12.
Colección del artista.

"La creación de la textura de un objeto a menudo es engañosa al convertir lo real en lo observado", continúa Jackson. “Descubrí que un objeto debe dividirse en varios segmentos: la sombra central, el resaltado y la luz reflejada, que es un punto de partida para ver la forma. A medida que avanzo en la pintura, reduzco continuamente esas secciones en segmentos más pequeños para identificar el carácter de cada objeto. Debido a que hay tantas facetas en un objeto, es fácil pasarlo por alto y generalizarlo, pero mantener la integridad de la pintura al reevaluar y reajustar cada parte resulta más convincente ”.

La pintura Yema rota—Donde el artista planteó un huevo y una yema rotos dramáticamente iluminados como una metáfora de la tragedia y la esperanza — fue uno de esos trabajos que desafió a Jackson a retratar de manera convincente el personaje del sujeto. "El color en toda la yema y su poderoso reflejo en la cáscara del huevo fue increíble", dice, "pero muy difícil de traducir en una superficie pintada. Me convencí de que necesitaba abordar la pintura desde un ángulo diferente ". Comenzó desarrollando un estudio de color local para resolver sus problemas técnicos de forma y luego determinó una fuente constante de luz. “Una vez que la primera capa estuvo seca, trabajé algunos esmaltes transparentes de color con un mayor volumen de medio en la mezcla de pintura. Las capas de pintura actuaban como láminas de tejido líquido en la parte superior y entre sí, lo que resolvió mi problema. Comencé a tratar la superficie pintada a medida que los elementos se formaban frente a mí ".

Serie Tensión: Ficción Rosa
y la confusión de la yema

2004, aceite, 28 x 281/2.
Centro de Cortesía de la Galería de la Tierra,
Charlotte, Carolina del Norte.
Serie de tensión:
Adiós Goldfish

2004, aceite, 8 x 10.
Colección privada.

Serie de tensión:
Un acto de equilibrio orgulloso

2005, aceite, 9 x 5.
Colección privada.
Yema rota
2006, aceite, 9 x 12.
Cortesía de Edith Caldwell.
Galería, Sausalito, California.
Ley de imposición deliciosa
2006, aceite, 7¼ x 8¾.
Galería McMurtrey, Houston, Texas.

Jackson, que en su mayor parte trabaja con aceites, admite que toma la mayor parte de su color y raíces de diseño de minimalistas como Piet Mondrian y Mark Rothko. "Aunque mis pinturas tienen un alto contraste", dice, "las desarrollo en un nivel extremadamente tonal. Me concentro en una paleta neutral para dividir el espacio, dando a los ojos un descanso para relajarse antes de examinar otro tono intenso o cromático. Mis tonos neutros provienen de mezclas personalizadas a todo color que van de cálidas a frías, y rara vez uso el negro ". Este enfoque tonal también ayuda a Jackson a lograr una iluminación espectacular. "El papel de la luz es probablemente el elemento más importante y atractivo de mi trabajo", admite Jackson. "Veo la luz no solo como un medio para revelar la forma sino también como una metáfora, revelando la gracia como el elemento que une todo en uno". Jackson acredita a los grandes pintores clásicos Chardin, Fantin-Latour, Joseph Decker y Walter Murch por inspirar esta parte de su proceso. "Cada uno de esos pintores tenía su propia distinción clara de la aplicación de pintura, así como las opciones de paleta, pero todos compartían la relación de cómo la luz define la forma", dice el artista. "Como pintor realista contemporáneo, trato de llevar esa misma calidad de observación íntima, redefiniendo también el lugar común".

Ley de equilibrio de cereza
2005, aceite, 7¼ x 8¾.
Colección privada.

Sobre el artista
Philip R. Jackson Actualmente dirige el departamento de pintura y enseña en la Universidad de Mississippi, en Oxford, donde reside con su esposa, Nicole, y su pequeña hija, Sophia Grace. Se graduó en 2000 con un B.F.A. del Columbus College of Art Design, en Ohio, y obtuvo su M.F.A. en 2002 en la Bowling Green State University, en Ohio. En 2001 Jackson recibió la prestigiosa beca Elizabeth Greenshields Fellowship, con jurado internacional. El artista está representado por la Galería Center of the Earth, en Charlotte, Carolina del Norte; Galería Edith Caldwell, en Sausalito, California; La Galería McMurtrey, en Houston; y la Galería Hammond Harkins, en Bexley, Ohio, y en Martha’s Vineyard. Su trabajo también está incluido en las colecciones públicas del Museo de Arte de Fort Wayne y el Museo de Arte de Evansville, ambos en Indiana. Para obtener más información sobre Jackson, visite su sitio web en www.p-jackson.com, o envíele un correo electrónico a [correo electrónico protegido]

James A. Metcalfe es un escritor independiente que reside en West Warwick, Rhode Island.

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